Notas sobre apreciación de la danza

Como espectadores de una obra de danza representada en un escenario aceptamos, de antemano, las reglas implícitas del arte escénico de representación teatral. Dichas reglas no son códigos rígidos, sino que han ido cambiando a compás de los tiempos y de la aceptación, por parte del público, de las propuestas de creadores e intérpretes. Así, la mayoría de los espectadores de hoy, tendrían dificultades para comprender el vocabulario del gesto original del “ballet-Pantomime en deux actes Giselle” y probablemente les parecería exagerado o incluso ridículo. A este respecto, son más elocuentes las “evoluciones” acaecidas en las representaciones de coreografías más recientes, que fueron un hito de originalidad o incluso de provocación hace menos de un siglo.  ¿Quién se escandalizaría hoy por una interpretación al modo de la realizada por Nijinsky en 1912 de “L’Aprés-midi d’un faune”?

Es obvio que, para comprender obras del pasado, sobre todo aquellas que denominamos clásicas, es necesario tener alguna perspectiva histórica del arte de danzar que nos permita, con la imprescindible curiosidad propia, lograr enlazar con nuestro actual lenguaje simbólico, el cual, nos guste o no, guarda escondidas pero no secretas, las claves de antaño.

Que las pautas de apreciación del público espectador respondan al momento concreto de la representación de la obra, no significa que este tenga que aceptar alteraciones aleatorias o arbitrarias del ritual escénico sin más. Cada propuesta renovadora debe tener el noble objetivo de la excelencia, para que pueda ser considerada por el espectador.

Los dominios de Terpsícore, se convirtieron en arte autónomo hace poco más de trescientos años. Como todo arte, la danza se rige por las pautas que sus artífices han ido conformando en el transcurso de su existencia. Así, la ley fundamental de la danza artística teatral es, sin duda, la experiencia. Los principios que hoy fundamentan las posiciones y la complejidad de los movimientos de la danza clásica, que reconocemos como técnica de ballet, son fruto de la búsqueda de la excelencia de muchas generaciones de maestros bailarines. Esta evidencia deshace las falsas dicotomías, hoy tan en boga, entre “técnica y arte”. La técnica de ballet es el “saber hacer” legado por generaciones de artistas, luego arte cuando se realiza según las leyes del arte.

Porque la representación es el principio de la danza artística, la que justifica la reincidencia de la obra conocida en la escena, su renacimiento o muerte en función de la interpretación del bailarín, que es única e intransferible, a veces incluso sublime. Acordar los constituyentes mínimos que exige la consideración de una obra coreográfica, como danza artística teatral, lejos de ser un ejercicio teórico supone, desde mi punto de vista, el recordatorio imprescindible para establecer, con algún rigor, unos principios de apreciación adecuados. En síntesis, La danza artística puede fundarse en los principios siguientes:

(1) Movimientos estilizados y pautados configurables en expresiones y símbolos.

(2) Un ceremonial teatral reconocible por el público.

(3) Aspirar a la cualidad de la impregnando cada movimiento de elegancia y belleza.

(4) Enaltecer la coreografía con las artes y técnicas fundidas en la danza como la música, el gesto, la expresión, el vestuario, la iluminación y demás artificios de la representación.

(5) Lograr trascender al público el drama, la comedia, la fábula, el ingenio, la destreza.

Entiéndase la como concepto sintetizador esencial, como el helénico tan bien recogido por el ensayista escocés Home, en sus "Elements of Criticism", cuyo enunciado goza de gran consenso: «apariencia agradable que nace de la elegancia del movimiento y de un cierto aire o actitud que expresa dignidad». Esta ligazón entre elegancia, movimiento y dignidad enlaza, inevitablemente, con la evidencia de que el lenguaje de la danza es mucho más que expresión, al ser capaz de sobrepasar la comunicación de los sentimientos, y llegar al de las significaciones pues, como fundamentó Schiller: “La gracia es la marca de la reconciliación entre deseo y libertad, naturaleza, razón y dignidad”. En suma, la danza clásica se decantó, desde sus albores, por la medida frente a lo arbitrario, al ser un arte simbólico de representación, que tiene que obedecer a una lógica continua de excelencia, so pena de banalizarse y desaparecer.

Las grandes reformas del ballet, (ballet d’action) impulsadas por Weaver y Noverre, impusieron el argumento de la obra coreográfica como aglutinante y dinamizador de los demás ingredientes de la danza; virtuosismo técnico, gesto, expresión y música. Sin embargo, la importancia de la acción dramática del ballet, comenzó a ser cuestionada por reformadores y vanguardistas a comienzos del siglo XX. Los primeros apostaron por la naturalidad del gesto y, de alguna manera, la primacía estética de la danza. Fokine, Balanchine y Eifman, entre otros, son representativos de esta tendencia que, en ese afán actual de encasillarlo todo, hemos convenido en llamar “Danza Neoclásica” al utilizar todos los recursos técnicos del ballet, e incluso mejorarlos.

Las distintas vanguardias acaecidas tienen un común denominador, el cuestionamiento de lo habido antes de su aparición y, por ende, la negación de la norma como principio y la preponderancia de la libertad. En consecuencia, cada movimiento ha hecho su particular tabla rasa y ha propuesto su novedad.

El afán de la novedad por la novedad tiene dos caminos. El idealista se justifica mediante la dedicación creativa del coreógrafo, en trasmitir sus emociones a la “sociedad” con plena libertad para la experimentación. Dejo de lado otros motivos que, por ser algo más prosaicos, no tienen menos importancia pues, los derechos de autor, no dejan de ser una conquista. Con estas tesituras, ciertamente sentimentales y no poco dionisíacas, la danza retorna, quizá sin pretenderlo, al ritual primitivo. Solo quiero resaltar que, al mutilar el potencial estético de la danza, la provocación se tuvo que convertir en la herramienta principal de atracción al público. He aquí la paradoja.

Paradoja puesto que, de las innumerables provocaciones registradas, aparte la insolencia, apenas quedan unas cuantas anécdotas disipadas, a su vez, por nuevas provocaciones que van dejando en la cuneta del olvido a las anteriores. La eterna tempestad de la destrucción creativa que, para el consumismo de bienes y servicios ha dado tan buenos resultados, en el público aficionado de danza no ha logrado calar. No pretendo, como espectador de danza, juzgar, como un todo, a la danza surgida desde estas actitudes. De hecho, y a pesar de las limitaciones que se han impuesto sus propios creadores, algunas obras me parecen notables.

Sin embargo, a pesar de las ocurrencias y provocaciones, a la novedad como reclamo, a los avances en la reproducción de imágenes que incitan a la mudanza y al consumismo, por lo demás, inverosímil, la mayoría de los amantes de la danza preferimos seguir contemplándola en el teatro con todo su ceremonial. Es esta resistencia del aficionado la que algunos llaman crisis de la danza? Si el público no estima ni el autor lo pretende ¿Por qué tiene que hacer el primero de mecenas forzoso del segundo? En cualquier caso, si aceptamos la especificidad de una danza aleatoria y volátil, cuyo cauce ordinario es minoritario y contracultural, quizás pudiéramos convenir su acreditación como danza ligera.

El público espectador es, debe ser, el destinatario que aprecie y sienta. Para él se destina la gracia de la danza, sin categorizaciones, mediante la actuación dramática y el virtuosismo. Incluso solo a través del virtuosismo es lícito perseguir la gracia en obras de lucimiento y en galas, donde la temática, cuando existe, solo es una justificación del verdadero tema, que es la demostración del virtuosismo del intérprete. Es el público quien espera el éxtasis de la representación, quien se identifica con el bailarín y quien puede mitificarlo como artista sublime.

Afortunadamente, las teorías para justificar ocurrencias y modas, más que obras, van perdiendo fuelle, por no decir glamour, vamos déjà vue. Y es que los espectadores, nos resistimos a ceder, con facilidad, nuestro honroso título de respetables destinatarios de las obras coreográficas. Naturalmente, seguiremos contemplando, con curiosidad, manifiestos y bohemias, alternativas congénitamente cíclicas y otras rebeliones adolescentes, mientras que la danza artística seguirá blandiendo su dionisíaca marca de distinción sin complejos. QUE ASÍ SEA.

P.R. Barreno - Marzo de 2008>