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ASOCIACIÓN CULTURAL AMIGOS DE LA DANZA TERPSÍCOREPara el estudio y la divulgación del Arte de danzar |
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Asociación Cultural Amigos de la Danza TerpsícorePara el estudio y la divulgación del Arte de danzar. Para lograr que la danza, como gran arte que es, obtenga en España el reconocimiento social que merece. Para fomentar y consolidar una gran afición de danza en nuestro país. ¡Con compañías prestigiosas de danza! Para que los artífices de la danza, los bailarines, sean los verdaderos protagonistas del arte que cultivan. Para impulsar la colaboración entre aficionados y los artífices de la danza. Si estas de acuerdo con estos objetivos, te invitamos a participar en nuestra asociación, entre muchos, seguramente será más fácil lograrlos. |
“Una Ley de Artes Escénicas para España” en libro
“Una Ley de Artes Escénicas para España” es un estudio impulsado por la Asociación Cultural Amigos de la Danza
Terpsícore, basado en la recopilación de datos, la indagación sobre indicadores de rendimiento y el examen de la realidad de las artes escénicas en España.
Nuestra propuesta incluye una estrategia regeneradora que aliente la participación social y el mecenazgo, sobre la base de la imprescindible acción
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Critica sobre espectáculos y el Arte de danzar
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“Le Songe” de Les Ballets de Monte-Carlo
P.R. Barreno, 8 de enero de 2012
Muchas veces me pregunto sobre los motivos que inducen a buena parte de los coreógrafos directores de nuestros días a
esfumar a los bailarines de sus compañías. Desde luego, desconfío de las explicaciones igualitaristas, sobre todo cuando el nombre del coreógrafo-director
que proclama la igualdad, es el omnipresente y único protagonista de la publicidad, los programas de mano, las entrevistas y las ruedas de prensa. Este es el
caso del coreógrafo-director de Les Ballets de Monte-Carlo, Mr. Jean-Christophe Maillot quien, esta vez, la dirección de CLECE S.A. ha programado una vez más
en Los Teatros del Canal de Madrid. Ahora se trata de su versión coreográfica de la conocida comedia satírica “Sueño de una noche de verano” de Shakespeare,
con el título de “Le songe”, que bien podría cambiarse por “Le Cauchemar”.
Para quienes confunden técnica con estilo, Les Ballets de Montecarlo de Jean-Christophe Maillot es una compañía neoclásica. Habrá que recordarles que el
empleo de algunos pasos académicos y las zapatillas de puntas no otorgan esa calificación, por lo tanto, aclaro que las pautas del estilo inaugurado por
Balanchine, son inapreciables en la actual compañía patrocinada por SAR la Princesse de Hanovre.
Como tantas obras de Shakespeare “A Midsummer Night's Dream” ha sido fuente de inspiración de dramaturgos, músicos, cineastas y coreógrafos
durante siglos. Si apreciadas son las partituras de Félix Mendelssohn y Benjamin Britten, no lo son menos la coreografía de Ballanchine con el mencionado
título (reestrenada en su versión actual en 1962) y “The Dream” de Frederick Ashton estrenada por el Royal Ballet en 1964. Recordemos que ambas
coreografías se basan en la partitura de Mendelssohn y siguen siendo parte del repertorio de compañías como el New York City Ballet, American Ballet Theatre,
Royal Ballet, Birmingham Royal Ballet, etc.
Pocos pondrán en duda la imperiosa necesidad de engrandecer el repertorio para el presente y, sobre todo, para el futuro de la danza, sin embargo, es
evidente que para lograrlo, parece imprescindible priorizar la excelencia frente a la cantidad. No parecen compartir este criterio quienes aplauden la
proliferación alimentada por la retorcida cuchara de unos derechos de autor indulgentes ante el copy-paste y el tocomocho de ilusorias novedades. Así las
cosas, tengo la impresión de que las flores marchitas de la danza actual no se encuentran en las plazas del mercado sino en los páramos del compadreo
corporativo, ese que estimula la novedad por la novedad y permite el estupro puro y duro de las obras de Bournonville, Petipa, Ivanov y quien haga falta.
En la función de tarde del pasado sábado asistí a la representación de “Le songe” de Maillot. Se trata de una versión sui
géneris donde el coreógrafo francés se entretiene resquebrajando la satírica metáfora de la obra original, mediante un uso caprichoso de músicas inmiscibles
y cacofonías escénicas y dancísticas. La pantomima pretenciosamente cómica se vuelve insolente cuando se sobreactúa con estética grosera, mientras que la
danza no consigue enhebrar con fluidez el enredo de la trama. Aunque quien más y quien menos conoce el argumento de la obra de Shakespeare, Miallot embrolla
innecesariamente su seguimiento con ocurrencias antagónicas al arte escénico. Es francamente peripatético vestir a los protagonistas carnales de la obra, con
ropajes andróginos grisáceos donde van escritos en mayúsculas sus respectivos nombres. Y así, casi todo.
Dividida en dos actos de 55 y 50 minutos respectivamente, la función parece más larga por la falta de tensión dramática y dancística de la coreografía.
Incluso la iluminación bien trabajada termina resultando cansina por su excesiva lechosidad. Por otro lado, la reiteración de poses seudoeróticas de pareja
me impelen a recomendar a Jean-Christophe Maillot un repaso del Kamasutra.
Los bailarines hacen lo que les pide su director-coreógrafo y como los directivos del Ballet de Monte-Carlo y los del Teatro del Canal faltaron al
respeto a los asistentes, al no facilitarles quien bailaba qué, no puedo opinar sobre los méritos de cada bailarín por miedo a equivocarme.
La falta de consideración al público es mínima en comparación a la ofensa profesional que estas gentes
infligen a los bailarines.
Cuando la intención no bastaLa lectura de muchas críticas y reseñas culturales y artísticas actuales recuerdan los sortilegios y aquelarres de
antaño, tramados para aturdir y acongojar a las buenas gentes. Serían, de hecho algunas lo son, divertidas si no siguieran la rancia estrategia de apabullar al
parroquiano y, con ello, justificar dicterios impropios de la labor periodística del crítico. P.R. Barreno, marzo de 2011 |
Dancing in the Dark: “El Ballet es reducido a clichés cutres en la pelicula "Cisne Negro"En varios países se ha estrenado la película “Black Swan” (Cisne Negro). La semana próxima se estrenará en España. Por su probable repercusión y las referencias que nos llegan, consideramos conveniente traducir la crítica del escritor, editor y prestigioso crítico del The New York Observer; Robert Gottlieb. Texto original del The New York Observer del 7 de diciembre de 2010 traducido por S. Diez. 
Hay tanto de horroroso en el psicodrama de sangre y tutú Cisne Negro que, perversamente, quiero empezar con lo
que hay de bueno en él. En realidad, trata de ser honesto acerca de cómo es la vida de los bailarines de ballet (de las mujeres, ya que, los chicos son apenas
perceptibles en la ficticia compañía de ballet de la película). Contemplamos lo duro del trabajo de las chicas, como desean mejores roles, cómo soportan el dolor
físico cual componente inevitable de su actividad. Y su protagonista, Natalie Portman, es como súper guay. Habiendo recibido una formación de ballet cuando era
niña, su interpretación parece plausible, aunque para lo que baila (cuando su doble no está haciendo la danza de verdad) no es para que se proclame como
particularmente dotada. ¿Qué ha hecho el ballet para merecer esto? “Cisne Negro” hace lo que las películas de Hollywood han hecho siempre; gastar sus energías en conseguir que algunas cosas superficiales estén bien mientras logra que en todo lo importante el resultado sea fallido. Darren Aronofsky, el director, aplica aquí las mismas técnicas y la misma sensibilidad que aplicó con “El luchador”, sólo que con una protagonista más guapa. (Mickey Rourke en tutú es algo que me gustaría ver.) La publicidad anticipada ha sido brillante. Algunas de las actuaciones, en particular la de Mila Kunis como némesis de Nina, son muy divertidas. Portman, con el objetivo de ganar el Oscar más que divertir, distrae. ¿Por qué es todo tan desalentador? Van a exponer, los embaucados padres del país, a sus queridos pequeños a este viaje sadomasoquista? Va a haber lágrimas. |
Ballet de Lyon, una Giselle que conmueveJesús González / Madrid, 26 de noviembre de 2010. "Giselle" por el Ballet de la Ópera de Lyon. Teatros de Canal, Festival Madrid en Danza. El siempre inquietante coreógrafo Mats Ek demuestra que, treinta y ocho años después, su indiscutible obra
maestra Giselle perdura y se asienta en el repertorio de muchas compañías del mundo, sin que pierda la esencia de lo que en su momento fue: pura
revolución y evolución de la danza “académica” y es que, teniendo como modelo a la inigualable Ana Laguna, su Giselle es incuestionablemente clásica. |
“LA DANZA EN ESPAÑA, ¿STAR SYSTEM” O “FULANISMO”?Segunda parte de “Estrellas o estrellados”. Tras los rifirrafes acaecidos en los encuentros de Expodanza 2010 y MERCARTES, donde se apuntaron diferentes
estrategias y modelos aplicables a los retos económicos y culturales (tanto monta) a los que se enfrentan nuestras Artes Escénicas, me ha parecido saludable
ampliar algunos aspectos señalados en el artículo “Estrellas o estrellados” aquí publicado. P.R. Barreno. 12 de noviembre de 2010. |
Actuación del Ballet de l'Opera de Burdeos en Ovideo; Denso y monótono26 de abril de
2010 - VICENTE CUE El
Ballet de l'Opera National de Bordeaux, bajo la dirección de Charles Jude, se presentó en la capital asturiana con un programa
compuesto por cuatro piezas modernas titulado «Cuatro tendencias». El Festival de
Danza Oviedo 2010 ha llegado a su ecuador. Con lo de esta noche, hasta
ahora, hemos tenido una muestra de los diferentes estilos de danza:
clásico, neoclásico y moderno. Es correcto programar
pensando en que hay preferencias y gustos diversos.
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LA MAGIA Y EL ARTE DEL BALLETLa Nueva España – Oviedo 24 de marzo de 2010 Crítica La excelente noche con Tamara Rojo en el teatro Campoamor por Vicente Cue Con todas las entradas agotadas hace meses inmediatamente de ponerse a la venta, la expectativa era enorme para ver «Noche de Ballet» con Tamara Rojo. Incluso vinieron críticos de periódicos madrileños. El director artístico de la gala, Ricardo Cué, siempre elabora funciones comprometidas para que se vea y se sienta la magia y el arte de la danza en toda su excelencia. La representación, además de Rojo, contaba con otros bailarines de compañías importantes como el Royal Ballet de Londres, el English National Ballet y el Ballet Bolshoi de Moscú. Este año se cumplen cien años de la muerte de Marius Petipa (1818-1910), el coreógrafo más grande del ballet clásico. Sin sus creaciones el arte sería más pobre. Precisamente Cué ha concebido esta función como un homenaje a este colosal artista. De un total de nueve coreografías que vimos, cuatro eran composiciones del marsellés, todas cumbres del arte coreográfico. Cuatro «pas de deux» en los que Petipa supo plasmar y acertar como nadie en su combinación de virtuosismo y bella apariencia. Fue un programa con páginas espléndidas. Se ofrecieron versiones de distintos semblantes: unas, de un profundo lirismo, otras, de gran despliegue técnico. 
Se comenzó con el «pas de deux» de «La Bella Durmiente» de Petipa, el clásico de los clásicos, la danza académica en la cúspide de su pureza. Tamara, alentada por la música de Tchaikovsky, se mostró majestuosa e impecable en sus «arabesque», «attitude» y magníficos «fish dive» (pescados, pose introducida por Nijinska en la época de Diaghilev). Hubo un evidente esmero de Romel Frometa en su respuesta de compañero. A continuación se representó el «pas de deux» del segundo acto de «Giselle», una coreografía de Petipa sobre la original de Perrot y Coralli, que conserva toda la esencia del romanticismo. David Makhateli y Natalia Kremen nos hicieron vivir el encantamiento evocador de las figuras románticas. La bailarina rusa dibujó la fragilidad sobrenatural y cuidó escrupulosamente el estilo y la plasticidad. El dinamismo etéreo de su danza, sus ligeros saltos y «ballon» la llevaron por todo el escenario desafiando la gravedad. El «pas de deux» de «Don Quixote», también del genio franco-ruso, fue interpretado por dos primeras figuras del Bolshoi. Marianna Ryzhkina, de la escuela del Bolshoi, y Mikhail Lobukhin, asimismo miembro de la legendaria compañía moscovita, aunque él creció en San Petersburgo en la escuela Vaganova. Ambos dejaron claro la alta técnica académica que conlleva la impronta de la escuela rusa. Ryzhkina alcanzó su mejor momento en el adagio con suaves piruetas y elevados «jetés». En la coda destacó en sus veloces y nítidos «fouettés». Lobukhin un bailarín impresionante, de brío y potencia muy Bolshoi, evidenció audaces proezas técnicas. No ejecuta ningún movimiento ni pasos al que no le saque el máximo partido. En cuanto aparece en el escenario es difícil apartar la mirada de él. Su figura y juego escénico irradian fascinación. Incluso en los momentos estáticos se goza con sus elegantes y depuradas poses. Inmediatamente después apareció sobre el escenario Lola Greco, Premio Nacional de Danza de este año. Ella ha querido que su coreografía, «Latido», con música de Manuel Infante, tuviera su estreno mundial en esta función del Campoamor. Lola posee genio, casta, embrujo y una personalidad singular, pero la naturaleza de su obra impidió que estas facultades se materialicen. Cerró la primera parte el «pas de deux» del segundo acto de «El lago de los cisnes», obra maestra y joya coreográfica de otro genio, el ruso Lev Ivanov. Makhateli y Rojo aportaron sentimiento, encanto y dulce tristeza, en un estado de poesía mística, celebrándose una perfecta unión entre la música y la danza. La
segunda parte
abrió con «Diana y Acteón»,
una realización de Vaganova en la que se manifiesta la liza
entre dos personajes mitológicos. Un bello ejemplo de la
alegría de la danza. Ryzhkina en la caracterización de la
diosa resalta sus retozos cinegéticos alcanzando plenitudes y
contrastes delicados. Lobukhin, con una indumentaria muy propia de la
época soviética, volvió a arrasar por su
personalidad y despliegue virtuosístico. Salió como un
tornado, demostrando una vez más su categoría con un
baile vigoroso y jactancioso. Remata sus «manège»
con sensacionales y atrevidos pasos al borde de lo imposible. La
variación de Acteón en este «pas de deux»,
según me informó hace años Igor Beslky, se le debe
atribuir a Chabukiani. Hubo
dos coreografías de Ricardo Cué. «El
último encuentro», en la que Francisco Velasco y Lola
Greco se entregaron en un apasionado paso a dos con un desgarrador
final. En esta composición la sustancia dramática y la
emoción se muestran con una serie de deliciosas secuencias
coreográficas en las que se juega con ritmos y compases de arte,
combinando magistralmente los diversos lenguajes de la danza. Se liga
lo español y el flamenco con el ballet y otros flujos de
expresión teatral, incluyendo un guiño a Ginger y Fred.
Aquí sí que Greco, una inmensa artista, tuvo la
oportunidad de mostrarse en todo su esplendor. El coreógrafo
sabe aprovechar a la perfección la enorme capacidad comunicativa
de Lola. Era obvio que su exposición venía de adentro,
así lo sintió y así nos lo transmitió. En
buena parte, esa actuación sublime de Lola se debe a la
incitación de Velasco, que en un personaje sobrio y
áspero supo darle una exacta y rigurosa réplica. El otro
trabajo
de Cué es un solo, «El cisne», con
música de Saint Saens. En la soledad aparece un cisne-hombre
moribundo que tras algunas dolorosas evoluciones pliega contra el suelo
sus alas. Con un halo de misterio el coreógrafo construye poses
y pasos basados en el vocabulario clásico siempre con
afán de belleza. El cisne fue interpretado por David Makhateli,
que matiza y recalca cada paso, si bien en esta ocasión el
georgiano no llegó a alcanzar la tensión emotiva que ha
vivido en otras actuaciones. Concluyó
el programa con Rojo y Frometa en la versión de
Araujo de «La Esmeralda», original de Perrot, revisada y
reconstruida por Petipa, del que lleva su sello. La bailarina
madrileña puso el broche de oro. Exhibió su
extraordinario rigor técnico, riqueza de acentos y
seducción. Aportó autoridad, frescor, vivacidad y
energía. Sus extraordinarios alardes de virtuosismo son
difícilmente superados. Los equilibrios del adagio, las piruetas
de la variación y los formidables «fouettés»
de la coda (en esta oportunidad escogió una serie de dobles con
triple en vez de los cuádruples que le hemos visto en este mismo
escenario) sin duda la colocan en la cumbre actual del ballet. Frometa
demostró sus dones técnicos, principalmente en sus
saltos. Es un
privilegio poder ver en Oviedo a Tamara Rojo una estrella mundial
del ballet en el momento culminante de su carrera. En sus tres
apariciones del martes por la noche pudimos recrearnos y gozar de sus
múltiples facetas. La magnificencia en la cima del academicismo
clásico, el lirismo poético y la exuberancia del
virtuosismo. A lo largo de toda la función los bravos y las
ovaciones unánimes fueron constantes y apasionadas, al final
continuaron durante muchos minutos ya con los espectadores puestos en
pie. |
“West Side Story” en la Casa de Campo de MadridEl espectáculo inaugural de los Veranos de la Villa de este año ha sido un espléndido “West Side Story” en uno de los eriales mal cuidados de la Casa de Campo, donde el ayuntamiento madrileño ha montado un artilugio en rampa relleno de incómodas sillas de plástico de peligroso acceso, desde donde se puede ver un escenario portátil al uso. Pero antes de hablar sobre las miserias habituales, quiero comentar un espectáculo con música en directo y de una calidad interpretativa inusual por estos pagos. Se trata de un auténtico Broadway realizado por una compañía compuesta por 110 artistas y técnicos, incluyendo una orquesta de 26 músicos y 40 magníficos cantantes y bailarines. Según el director de esta compañía Donald Chan, la versión respeta estrictamente la versión original. Solamente se han incorporado varios cambios técnicos en la escenografía renovada por Paul Gallis. La dirección de escena de Joey McKneely ha respetado el original y se agradece ya que sigue funcionando perfectamente. Recordemos que esta perdurable obra fue realizada por cuatro grandes artistas: Jerome Robbins coreografió cada movimiento, cada paso, cada expresión, Leonard Bernsteim realizó la mejor y más rica partitura jamás hecha hasta hoy para un musical, Stephen Sondheim unas canciones chispeantes y sentimentales que no sensibleras que casi todo el mundo canturrea, Arthur Laurents plasmó un eficaz y rico guión que sigue actual 50 años después. A pesar de la penosas condiciones que tuvimos que soportar los invitados espectadores (la inmensa mayoría lo éramos) la calidad de este espectáculo fue capaz de entusiasmar y emocionar a casi todos. Eso es lo que sentí y percibí. Sobresale la voz de Ali Ewoldt en el papel de María y no queda muy atrás Chad Hilligus como Tony. También Oneika Phillips en Anita me pareció versátil en un complejo papel que acumula danza, canto y drama. Recomiendo este espectáculo aunque aviso de las pésimas condiciones de este escenario llamado Puerta del Ángel. Lleven rebequitas, linternas y zapatos de marcha, cuidado con los socavones y las ráfagas de viento con arena. Cuando intenten llegar a sus localidades tengan la precaución de mirar bien donde pisan, sobre todo cuando accedan a su fila, hay rebordes con tornillos aniquiladores de zapatos y restauradores de juanetes. ¿A que asador de manteca se le habrá ocurrido montar este artilugio? P.R. Barreno 26 de junio de 2009 |
La danza en “West Side Story” es fundamental y en esta producción el cuerpo de baile es de primera división.  |
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La Nueva España EDITORIAL PRENSA ASTURIANA Director: Isidoro Nicieza Sólo el tiempo dirá - Ballet Corella de Castilla y LeónOviedo 27 de febrero de 2009 Vicente Cue Según pasan los años el Festival de Danza del Campoamor hace esfuerzos para su consolidación. Parece ser que existen las mejores intenciones para que así sea. Si bien, al arte de la danza muy frecuentemente le toca bailar con la más fea. Este año hemos tenido que ajustarnos a un festival de bajo presupuesto debido a la crisis, a lo que hay que añadir, según leo en la prensa, el desinterés del Principado. La recién creada compañía «Corella Ballet Castilla y León» ha sido la encargada de inaugurar este año el festival. Parece que entre las principales intenciones de este grupo está la de promocionar la danza clásica en España, tan olvidada aquí y tan admirada en todo el mundo civilizado. Sin embargo, en esta función únicamente hemos visto diez minutos de ballet clásico (el «pas de deux» de Don Quijote), el resto del programa se dedicó al neoclásico y a la danza moderna. En ese sentido no ha cambiado gran cosa. De momento en Asturias seguimos viendo compañías españolas de tamaño medio que nos ofrecen casi siempre estilos de danza más o menos modernas, pero en contadísimas ocasiones podemos disfrutar de las obras que constituyen las páginas cumbres del ballet. Los diez minutos de DQ que vimos serán los únicos en todo el festival dedicados al estilo académico, pues el Houston Ballet ostenta entre sus producciones algunas de las obras maestras del repertorio clásico, pero a Oviedo traerán un programa con realizaciones modernas. El Ballet Castilla y León» va pregonando ser una de las mejores compañías clásicas del mundo. Está claro que la prudencia y la modestia son virtudes poco populares últimamente. Ellos deberían saber que no es así. O si de verdad se lo creen, entonces, malo. Las compañías que realmente son consideradas las mejores no tienen que proclamarlo, porque todos sabemos muy bien cuáles son. Con esto no quiero quitar los méritos que pueda tener el neófito conjunto, pero no se debe confundir al público. Actualmente me parece un grupo novel que se entrega con entusiasmo. No tiene un año de vida y por lo tanto necesita tiempo para crecer, desarrollarse y consolidarse. Sólo el tiempo les colocará en el estatus que se merezcan. A parte de su director, esta formación la componen miembros notables, pero en su mayor parte la configuran jóvenes con poca experiencia escénica. Se abrió la noche con «Bruch violín concerto Nº 1», una coreografía de 1987 de Clark Tippet. Se trata de varios «pas de deux» ejecutados por cuatro parejas, todos ellos acompañados por un cuerpo de baile de dieciséis bailarines. Cada pareja hace alarde de unas circunstancias y comportamientos característicos. Unos son románticos y serenos, otros apasionados, con vibrantes «port de bras». Los «portés» son de líneas acrobáticas. Tippet logra un trabajo audaz y desenvuelto con una coreografía compleja muy balanchiniana.obras que más ha representado y en la que mejor se desenvuelve. Sus saltos y piruetas fueron correctos. Probablemente los que le han visto por primera vez hayan quedado satisfechos. Pero este bailarín ha destacado justamente por su extraordinaria técnica. Yo le he visto hacer cosas excepcionales. Sin embargo, a su actuación le faltó excelencia. Ni sus piruetas fueron tan numerosas ni sus saltos tan espectaculares como nos tenía acostumbrados. Su frescura física ya no puede ser la misma. Va a cumplir 34 años. En esa etapa de la vida, un bailarín de clásico se halla en el último tramo de su carrera (las bailarinas tienen una vida artística más larga). Su compañera en esta composición cervantina fue Adiarys Almeida, que demostró brío y arrojo con unos «fouettés» limpios y precisos. Se prosiguió con «Clear» (2001), una elaboración del coreógrafo australiano Stanton Welch, actual director del Houston Ballet. Esta pieza se estrenó a finales de 2001 evocando el dolor de aquel atentado criminal del 11 de septiembre en Nueva York. Siete hombres y una mujer se mueven a los acordes de la música de Bach. Welch, que fue bailarín de clásico, explora y juega con el idioma académico para transformarlo en movimiento contemporáneo. Los hombres se emplean a fondo y con vigor. Se consigue armonizar el ritmo vivaz con cierto patetismo. El ballet, que no tiene un gran atractivo, concluye con un apacible paso a dos. La pareja principal fue interpretada por Natalia Tapia y Joseph Gatti. Entre «Clear» y el último ballet de la noche, vimos otra vez al director de la compañía en «We got it good» (2006), un solo muy a su medida a ritmo de jazz, también de Welch, que se apoya en la teatralidad y mezcla los movimientos académicos con la danza de salón, en la línea del «Sinatra» de Tharp. El bailarín demostró su ligereza y flexibilidad, además de saltos y giros, con desenfado, desparpajo y jocosidad. La noche se cerró con «In the upper room», uno de los ballets más conocidos de Twyla Tharp. Fue creado y estrenado en 1986 por la «Twyla Tharp Dance Co.» y no por el «American Ballet Theatre», como se afirma en el programa; el «American» lo hizo en 1988. La coreografía parece no encontrar obstáculos, es una vorágine imparable llena de energía. Se apoya en la música minimalista de rara intensidad rítmica de Philip Glass. Los intérpretes saltan, se retuercen, hacen jogging, brincan? Las imaginativas luces de Jennifer Tipton consiguen dar la impresión de que los bailarines surgen desde la niebla y vuelven a desaparecer en ella, se evaporan entre bastidores. El impacto inicial va perdiendo fuerza hasta convertirse en un batiburrillo «ordenado». El público, que esta vez no llenó el teatro, les premió con sus aplausos. |
Una buena ocasión para reflexionar sobre el ballet en Oviedo
23 de febrero de 2007, OVIEDO
Una «Coppélia» cibernética ha inaugurado el Festival de danza de Oviedo 2007.
El ciclo se compone de cinco compañías en las que domina
la danza moderna. No son grupos de primera fila. Si bien, a juzgar por
el lleno total del miércoles y las entradas vendidas para las
siguientes representaciones, los ovetenses están ansiosos de ver
ballet. Se agradece, por lo tanto, al Ayuntamiento de Oviedo el
esfuerzo que hace todos los años para brindarnos este festival.
No obstante, es mi obligación aspirar a más y manifestar
que Oviedo se merece ver mejor ballet. Además, así me lo
comunican muchas personas. Al igual que a nuestra ciudad suelen venir
algunas de las más importantes orquestas sinfónicas, los
amantes del ballet deberían tener el mismo derecho de ver
aquí también algunas de las mejores
compañías de ballet. Por ejemplo, este año
visitará seis ciudades españolas, entre ellas Santander y
San Sebastián, el «Boston Ballet» con una gran
producción de «La sílfide». ¿Por
qué a nosotros nunca nos tocan cosas como ésas? Y, en
este caso en concreto, no creo que la capacidad del escenario hubiera
sido un obstáculo. Otra cosa, ahora que menciono el escenario:
Oviedo, la ciudad de las artes escénicas, con un Campoamor, un
Filarmónica, un Auditorio y grandes palacios escénicos y
de las artes en construcción, y seguimos sin un escenario
decente.
Dos de las respuestas a mi pregunta anterior, de por qué a nosotros nunca nos toca ver las mejores
compañías de ballet en Oviedo, son las siguientes: una,
porque no tenemos un escenario de dimensiones adecuadas, pero esto no
es lo principal. Y la otra: hay un hecho indiscutible, si hablamos de
artes escénicas, el ballet en Oviedo ocupa el cuarto lugar. En
los tres primeros puestos están la música
sinfónica, la ópera y la zarzuela. En el Campoamor tienen
prioridad la ópera y la zarzuela. Normalmente las fechas que
sobran se destinan a la danza y otras artes. Y que quede bien claro,
con esto no quiero decir que se deba aumentar la calidad y
representaciones de ballet en detrimento de las demás. Al
contrario, entre otras cosas, porque yo también disfruto de
estas tres artes, y deseo y me alegro de que las representaciones en
Oviedo de música, ópera y zarzuela tengan cada vez
más éxito y que ya ocupen los primeros lugares en
España. Todo lo anterior está dicho con la mayor
cordialidad y con el ánimo de recordar la situación que
tenemos en el presente y animar a que se busque un causa para que el
ballet deje de ser considerado en Oviedo un arte menor y logre tener el
mismo rango que las otras artes escénicas y se convierta
también en referencia de la capital. Una observación: es
preferible calidad que cantidad. (En este breve análisis de las
artes escénicas no he incluido el arte de Talía ya que
ellos pueden disponer del Filarmónica)
Bien, paso a comentar la función que vimos el miércoles en el Campoamor. El ballet
«Coppélia» -inspirado en un cuento de Hoffman-,
estrenado en París en 1870, con coreografía de Arthur
Saint-Léon, está a mitad de camino entre la gran
época romántica (representada por «La
sílfide» y «Giselle») y la era del Ballet
Imperial Ruso, también conocida como «era Petipa»
(personificada, entre otros, por «La bella durmiente» y
«El lago de los cisnes»). Hoy, este ballet se encuentra en
el repertorio de las compañías más importantes del
mundo. Si bien de la obra original de Saint-Léon no ha quedado
mucho. Las mejores adaptaciones actuales son el resultado de las
revisiones hechas por Petipa, Ivanov, Cecchetti y Sergueyev. Con la
partitura compuesta especialmente para esta obra por Leo Delibes,
«Coppélia» está considerada como el comienzo
de importantes encuentros entre el ballet y la gran música. Este
encuentro volvió a suceder muy pronto y en más alto grado
con Tchaikovsky y más tarde con otros compositores, como
Stravinsky, que lograron una nueva dimensión entre la
música y el ballet.
En esta ocasión ha sido la compañía de Víctor Ullate la que, con la
coreografía de Eduardo Lao, director artístico de la
misma, ha montado un relato muy peculiar de este clásico del
siglo XIX. Esta versión nada tiene que ver con las producciones
clásicas, ni en la coreografía ni en el baile ni en el
relato. En vez de la bucólica plaza de pueblo y la
fábrica de muñecas, Lao ha trasladado la acción a
un laboratorio cibernético, especializado en robótica e
inteligencia artificial, en el que se investiga la creación de
un androide con apariencia femenina. En este caso, solamente se ha
mantenido la música de Delibes, aunque se han hecho cambios en
el orden.
El ballet «Coppélia», en sus versiones más próximas al original, tiene algo de
aquellas operetas con sentido del humor. Aunque Laos, en esta
narración ha querido buscar y resaltar el lado más
burlesco de la historia. En la primera parte vemos al doctor Coppelius
intentado humanizar sus androides, mientras el joven Franz,
fotógrafo aficionado, y encargado de la limpieza en las
instalaciones que acogen los artilugios autómatas, dirige los
flashes de su cámara y de su corazón a ese androide con
cuerpo de mujer llamado Coppélia. No obstante, no será la
ciencia ni los inventos del extraño doctor ni sus elaboradas
aplicaciones de los mecanismos de regulación biológica a
la tecnología los que le transfieran vida y alma a su hermoso
robot, sino un ser mágico, la Diva Espectral, la que
otorgará alma y humanidad a Coppélia, que inmediatamente
se sentirá atraída hacia Franz. En la segunda parte, el
androide ya como humano se libera de su inventor para vivir su amor y
pasión con su enamorado.
Aunque las bailarinas bailan en punta, nada en esta versión se parece, ni remotamente a lo que se
conoce como el ballet «Coppélia». Esta coreografía es un
gran popurrí de distintas formas de danza, en la que impera lo
moderno. El primer acto está dominado por las formas angulosas
que dibujan los cuerpos de los robots. A la protagonista no se le da
gran oportunidad de lucimiento en otras formas de baile, ya que la
reiteración y larga duración en su condición de
robot, hace que se exprese fundamentalmente con gestos y con formas
rígidas que la alejan de los cánones que se consideran
esenciales para expresarse mediante la danza. Las tres chicas
encargadas de la limpieza intentan provocar las secuencias más
jocosas de la representación. La segunda parte se convierte en
una gran fiesta llena de color con ambiente de discoteca. Quizás
el exceso sea lo que marque a este acto. La bailarina que interpreta
Coppélia (Natalia Arregui) tiene la oportunidad de lucirse mejor
en el «pas de deux», así como los bailarines que
interpretan a Franz (Yevgen Uzlenkov) y a Coppelius (Luca Vetere) se
exhiben con sus saltos y piruetas. Ana Noja, como la Diva Espectral,
muestra su veteranía y experiencia. Esta
«Coppélia» de Laos parece un divertido musical en
puntas. Es una lástima que no pudimos ver a Eri Nakamura, la
Coppélia que estrenó la obra en Santander y en Madrid,
pues está lesionada. Los nombres de los bailarines que
interpretaron a los cuatro protagonistas no se especifican en el
programa. (Yo los nombro arriba, espero no equivocarme en la sustituta
de Nakamura). Esta omisión es una falta de consideración
para con el público y poco respeto a unos bailarines
profesionales. Si no se pudo imprimir un papel anexo al programa con
sus nombres y los personajes que interpretan, se debió utilizar
la megafonía de la sala.
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Gala Internacional de la UNESCO en Fuenlabrada Maria José Ruiz en foro FOTOESCENA Hola a todos, La "presentación en sociedad" del embrión de lo que será el futuro Real Ballet de España no me decepciónó. Cuerpo de baile disciplinado, con una fortísima base y cohesión a toda prueba. Ingeligente, muy inteligente y acertada la propuesta de Tamara Rojo en un camino intermedio entre la creación de un ballet y la escuela que a él debe estar asociada.
La primera pieza interpretada, con un ligero tufillo a Culberg, sirvió para que pudieramos apreciar tanto la técnica como la expresividad de Ana Colomer en el papel de Cupido y la versatilidad del cuerpo de baile. En
terminos
generales, desigualdad entre la Danza Clásica y la
Contemporánea, con la balanza muy a favor de la Clásica. Me refiero a los duos que pudimos contemplar.
Las dos coreografías construidas sobre música de Vilaldi no tenían nada que ver con su soporte musical y por tanto no acabaron de convencerme: Contemplaba una realidad cinética no solo distinta, sino opuesta e incompatible cualitativamente con lo que escuchaba. Lo único que puedo lamentar es que, después de haber visto a Tamara Rojo como Carmen, no tendré deseos ver ninguna más. En mi modesto parecer ha superado a todas las que he contemplado podría describirlo como "la Carmen que soñó Petit". También a lamentar la impaciencia que me ha provocado por ver la obra completa. ¿Podría
ser nuestro regalo para la presentación
del Real Ballet de España? Impacientes besos a todos, María José Ruiz |
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Del foro ETER YO CLAUDIO Hojeando, y ojeando, la prensa diaria he encontrado un artículo en Libertad Digital. El artículo habla de cine, pero me ha hecho reflexionar sobre su validez para el mundo de la danza. Os transmito las primeras líneas, con un segundo párrafo de una gran lucidez, ya que el resto del artículo pasa a consideraciones políticas que ni vienen a cuento ni mantienen el grado de lucidez de las que os transcribo. Feliz Natividad a
los creyentes y felices fiestas a los demás. España con su cine Pablo Molina En este año que acaba, han acudido a los cines a ver películas españolas seis millones menos de espectadores. Seis millones de decisiones individuales plenas de sentido común y elevado criterio estético, que amenazan con ampliarse en años venideros de seguir este ritmo asombroso de "crecimiento negativo". De las veinticinco películas más vistas del año, tan sólo cuatro son españolas, y de ellas sólo dos están entre las diez más vistas. Se trata de "Alatriste", en cuarto lugar, y "Volver", en séptimo. Hasta aquí llegó la riada del talento. Si la gente hubiera decidido dejar de ver películas españolas sencillamente porque en su mayoría son una castaña, la solución no sería demasiado complicada. Bastaría con eliminar las subvenciones para que el ingenio de los cineastas empezara a conectar con los gustos del público. Estoy de acuerdo con el fondo del articulo de Pablo Molina aunque, este espinoso asunto que, tengo la impresión, conoces bien, es la estafa y la humillación para la danza, no solo porque, en comparación con el cine o la pasarela, se la destina la calderilla es que, al mismo tiempo, esa calderilla se la reparten los de siempre. También sería conveniente que los de Libertad Digital y sus cofrades, que tanto presumen de liberales, se aplicaran el cuento porque, solo cuando se trata de gente de su cofradía, las subvenciones están bien. Me refiero a una entrevista realizada el otro día a Maria Giménez en La Linterna de la COPE por Cesar Vidal. Según el Sr. Vidal, la menestra (no es un error) de cultura (PSOE) es una ignara impresentable por no subvencionar suficientemente a la compañía de Maria, pero el ayuntamiento de Madrid y La Comunidad (ver P.P.) son estupendos y grandes soportadores de la danza por ayudar a “Doña Maria” según el Sr. Vidal. Lo dicho, estos liberales de sacristía son tan sectarios como los de enfrente y, desgraciadamente, la subvención de las artes en España está contaminada por el politiqueo partitocrático. De tal forma que, cuando alguien presenta un proyecto artístico de danza, si lo apoya alguien del PSOE el PP lo boicotea y viceversa. Las artes divididas por el sectarismo y el aldeanismo no pueden desarrollarse, solo los mediocres sin escrúpulos siguen tirando de la teta. ¿Hasta cuando? |
Con fecha de caducidadLa Nueva España – 22 Sept. 2006 - Por: Vicente Cue Hace ya tiempo que el bailarín Julio Bocca viene anunciando su retirada de los escenarios. El mismo ha señalado su fecha de caducidad: diciembre de 2007. El lugar será su tierra natal, Argentina. Le queda un año largo, en el que tendrá que hacer un especial esfuerzo, ya que, según las propias declaraciones del bailarín, entrenar «se ha vuelto desagradable; si bailas desde los 4 años llega un momento en que te aburres». Y añade: «El entrenamiento diario y la disciplina es algo que odio y que siempre he odiado». Respetables opiniones, si bien para los jóvenes bailarines de su grupo y aquellos que piensen dedicarse a la danza estas manifestaciones no servirán de gran estímulo. Desde que se apagó la estrella de Baryshnikov, el baile clásico masculino ha pasado por décadas no muy brillantes. Ha sido ésta una generación en la que algunos bailarines han sobresalido por tener unas cualidades y otros, por gozar de otras condiciones o características particulares. Sin embargo, fue una época ausente de bailarines de los llamados «completos». Bocca nunca tuvo el físico ideal de un premier danseur noble. Pero lo que no se le puede negar al argentino es que ha sido uno de los bailarines más destacados de esa generación. Durante muchos años ha gozado de gran popularidad y éxito debido a –como dirían en su tierra- su técnica macanuda y su formidable brío sobre el escenario. En el tiempo que le queda para su retirada, Bocca solamente echa el resto cuando actúa en plazas importantes en las que baila los «pas de deux» clásicos que le hicieron tan popular. Lo acaba de hacer en La Coruña y en Palma de Mallorca recientemente con Tamara Rojo como pareja. Hace algunas noches en el Jovellanos sólo se exhibió en piezas de danza moderna, que no exigen gran virtuosismo ni demandan grandes despliegues técnicos. Intervino en las tres obras del programa. En algunas fue breve su intervención, en otras, un poco más extensa. Se comenzó con «Desde lejos», una coreografía de Mauricio Wainrot que los bonaerenses ya habían traído a Gijón. Es una obra de danza moderna, en la que predomina el baile en grupo, ejecutada a gran velocidad. Le siguió un trabajo de la coreógrafa Ana María Stekelman, que ha realizado varios ballets para esta compañía. Este se llama «Tango Brujo» y es una de esas piezas asiduas del Ballet Argentino en las que se fusiona la fuerza del tango con la danza moderna. En esta ocasión –en el que hay una pequeña trama con un trasfondo de amor, celos y muerte- la música de Falla es llevada a los acordes del baile argentino. Para mí, lo más ameno de la función fue la última pieza, «Nine Sinatra songs», de la coreógrafa norteamericana Twyla Tharp, y diseños de vestuario de Oscar de la Renta. Al ritmo de conocidas canciones de Frank Sinatra, varios dúos de bailarines van saliendo al escenario –cada pareja por separado- para ejecutar bailes de salón que se fusionan con una coreografía acrobática y sofisticada. (Los bailarines hombres de esta compañía lucen tan jóvenes y bisoños que en este ballet no dan propiamente el físico). En esta mirada nostálgica a los años cincuenta del siglo pasado, Julio Bocca interviene junto con Cecilia Figaredo, únicamente mientras suena la canción «That’s life», y en el baile final con todo el grupo, a los acordes de «My way» El alma de Julieta, en El EscorialPublicado por: La Nueva España en 2006. VICENTE CUE Ya que la montaña no viene a mí. Me gustaría ver en Oviedo o en Asturias al Royal Ballet de Londres con Tamara Rojo en un gran ballet. Un deseo que, estoy seguro, comparten muchos. De momento habrá que ir a Londres o, como en este caso, al teatro auditorio de San Lorenzo de El Escorial, un nuevo recinto que acaba de inaugurarse en la conocida población del famoso monasterio. Los programadores de El Escorial saben lo que tienen entre manos. Ha sido un buen comienzo y un gran acontecimiento artístico y social. Han traído una de las mejores compañías del mundo, el Royal Ballet de Londres, con uno de los ballets más emblemáticos e importantes del siglo XX, «Romeo y Julieta» de MacMillan y con la mejor intérprete en muchos años: Tamara Rojo. La coreografía que Kenneth MacMillan creara en 1965 para Fonteyn y Nureyev, se ha convertido en un clásico. Varios críticos de Inglaterra, donde se idolatra a Margot Fonteyn, han dicho recientemente: si usted no pudo ver bailar a Fonteyn, no se pierda ahora a Tamara Rojo. Y añadían: es la mejor Julieta en el último cuarto de siglo o más. Yo tuve el privilegio de ver bailar a Nureyev y Fonteyn muchas veces, y también a Tamara, y confirmo que la actuación de la española es excepcional y única. Shakespeare, en su obra de la tragedia de Verona, quiso que los dos enamorados sobresalieran por encima de los otros personajes. E incluso entre los dos amantes, es Julieta la que destaca y la que dice las frases más hermosas. Romeo, como personaje, está iluminado por ella (el titulo de la obra debería de ser «Julieta y Romeo»). El coreógrafo, que es fiel al dramaturgo, también quiso que su Julieta sea la figura sobre la que gire todo el ballet. Y así es como Tamara Rojo, portadora de una luz interior que alumbra su imagen, se hace dueña del ballet. Ella otorga veracidad y autenticidad al espectáculo. Sin hablar una sola palabra y solo con el arte de la danza, nuestra bailarina, premio «Príncipe de Asturias», va exprimiendo gota a gota todas las sensaciones, emociones y sentimientos de su personaje. El alma de Julieta se apodera de Tamara. Allí, en el escenario de El Escorial, se sintió y se creó Arte. (Ésta es la frase que yo más deseo escribir en mis crónicas pero que en contadas ocasiones puedo hacer). Las variaciones y dúos más brillantes de la coreografía tienen lugar durante las cuatro escenas claves del drama. Es precisamente durante esos simbólicos momentos en los que Tamara despliega con más intensidad los lamentos y gozos del alma. En su primera aparición Julieta es esa niña juguetona e ingenua que no sospecha nada sobre su desdichado destino. «El encuentro» con el Montesco es casual y dulce, aunque ya nacen ciertos presagios. Más tarde, en el que quizá sea el momento más hermoso de la noche, la mítica «escena del balcón», obra maestra de MacMillan, la adolescente se convierte en un ser ya totalmente consumido por el amor. En esta magistral secuencia los pasos y movimientos de Tamara son de una gran belleza y claridad de líneas. Sus exquisitos arabescos y sus impecables giros se convierten en remansos poéticos. En «la alcoba», ya es una mujer entregada a su esposo. Y así, en muy pocas etapas, Julieta llega a la plenitud, al equilibrio, la madurez y la gravedad cuando al fin amor y muerte se estrechan las manos. Fue un verdadero «tour de force» de Tamara y un excelente ejemplo de cómo el ballet puede traducir de forma impecable la lírica de la palabra, la plástica, la poesía y la música en un recital de amor y dolor. Romeo fue interpretado por Carlos Acosta, bailarín cubano que hace años actúa, entre otras compañías, con el Royal Ballet y con el American Ballet Theatre. Acosta destaca por su brío, energía, bravura y gran técnica. Es cierto que su personaje no tiene la profundidad de Julieta, pero Carlos, que hizo por primera vez este papel hace tan solo cuatro meses, no se ha metido todavía en la piel del personaje. José Martín resuelve con destreza su interpretación de Mercucio. Thiago Soares es un fiero Tibaldo. MacMillan creó muchas coreografías para el Royal y no todas fueron gloriosas. Lo que es indudable es que este «Romeo y Julieta» es su obra más brillante y prestigiosa. Incluye todas las características y el sello de mediados del siglo pasado. Las danzas surgen naturalmente de la acción. Sus complejas fórmulas dinámicas contienen en los solos y dúos tanta elocuencia como exquisitez virtuosa. Y aunque su mayor excelencia está en esos intensos «pasos a dos» de los protagonistas, suele aprovechar los bailes de grupo en las plazas de Verona como celosía donde se cuece la tensión y el conflicto. Las óptimas cualidades de la partitura inspiran necesariamente al coreógrafo y a los intérpretes. Esta música de Prokofiev está considerada una de las mejores que jamás se haya compuesto para ballet: es melodiosa, emocional y dramática. Los decorados y vestuarios de Nicholas Georgiadis son un magnífico homenaje al Renacimiento, una de las épocas más gloriosas de la historia del arte. Hay tantos ingredientes de primera calidad en esta producción, que hacen un todo estético y evocador creando una atmósfera envolvente, armónica y con ese toque de mágico encantamiento que requieren estos dramas. Cuando bajó el telón, después de la grandiosa y solemne escena de la cripta, el público que abarrotaba la sala, totalmente emocionado, estalló en bravos y fuertes aplausos. Noches como ésta alimentan el alma. Me creo en el deber, en defensa del arte de la danza, de recordarles, una vez más, a nuestras autoridades culturales, que Asturias necesita un escenario con las dimensiones adecuadas para que ballets de esta calidad e intensidad artística se puedan ver en nuestra comunidad. |
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EL MUNDO/DANZA/ VIERNES 4 DE FEBRERO DE 2006 CRITICA La comercialidad aguanta más que la coreografíaCompañía: Tokio Asami Maki Ballet Obra: Pink Floyd Ballet Coreografía: Roland Petit Música: Pink Floyd Estrellas invitadas: Lucía Lacarra, Cyril Pierre, Lienz Chang, Altankhuyag Dugaraa y los Streets dancers slide Escenario: Matadero de Madrid< Fecha: 2 de agosto de 2006 Calificación: ** JULIA MARTÍN< MADRID. Hay poca memoria, y menos trabajo de hemeroteca, para decir en el programa que es la primera vez que Roland Petit visita Madrid. En 1988 sin ir más allá, presentó su Carmen en el Cuartel del Conde Duque; una emblemática obra que podría haberse recordado hoy, o conocer su Coppelia, que también tuvo a Lucía Lacarra como protagonista; muchos trabajos preferibles a esta obra comercial pero simple y avejentada, aunque el espectáculo es impecable, la compañía tuvo pocos desacierto y los invitados lucieron en lo posible. El concepto de musical y de hermandad entre estilos se funden en este ring de focos bajos, al que salen largas filas de bailarines para accionar frente al público, casi siempre iguales ay al tiempo. Todos visten mallas blancas y quieren demostrar que lo depurado puede bajar al terreno de la calle. La sofisticación y la horterada se dan la mano en unas coreografías de trazo corto y repetido, que usan el vocabulario del ballet, buenas puntas incluidas, adornado de acciones rítmicas, según el glosario de extensión-contracción de la danza moderna más caduca. Petit escribió sobre el pulso; entre el cañero rock y los relajantes sonidos usados por el movimiento hippie de los 60. consciente del paso de las modas, el coreógrafo añadió hace dos años una pieza de hip hop que resulta lo más refrescante del montaje. La escena toma altura de ballet solamente en el largo Echoes, donde es posible salir de la marcialidad para apreciar una composición diversa en el plano, con grupos que se van encajando poco a poco y serán al final un árbol viviente. Lucía Lacarra era el gancho del montaje en Madrid. Indudablemente lo fue para quien no hubiera visto mejor empleados sus resortes técnicos y su calidad de movimiento. Lució espectacular y liviana, preciosas líneas; con esa elasticidad de espalda que produce desmadejados e increíbles cambrés y extensiones de piernas de más de 180 grados. Tuvo dos buenos porteadores: su compañero Cyril Pierre, y el cubano Lienz Chang, con el que interpretó una de las coreografías añadidas para esta compañía en 2004, y con un bonito final de ella caminando por el aire. Chang baila varios solos en los que explota su corpulencia pero resulta lento y poco atractivo porque está completamente sobrepasado de peso, lejos del buen bailarín que es. Pink Floyd se ve, a los 33 años de su estreno, como un capricho del prolífico coreógrafo por adentrarse en la movida de la época y con las armas que tan bien había ensayado en los circuitos del teatro musical: Su elección puede deberse a la errónea manera de calibrar el verano como estación para el muelle mental (defiendo que la mente puede relajarse sin hacerse plana). Lo peor es ver cómo satisface un programa que no cuenta nada ni tiene vuelo coreográfico y apenas dos temas con un mínimo leit motiv que compacte tanto ejercicio en unidad de bloque, y parecidos solos de lucimiento entrecortado. Defrauda que aplaudamos todo si nos dicen que es bueno. Claro, que también es un alivio que el círculo de famosos en la danza no existe en los planes de TV- todavía no incluya a los ganadores de Mira quien baila. Al menos son Petit y Lacarra, pero todo se andará. |
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