Una buena ocasión para reflexionar sobre el ballet en Oviedo

23 de febrero de 2007, OVIEDO

Una «Coppélia» cibernética ha inaugurado el Festival de danza de Oviedo 2007. El ciclo se compone de cinco compañías en las que domina la danza moderna. No son grupos de primera fila. Si bien, a juzgar por el lleno total del miércoles y las entradas vendidas para las siguientes representaciones, los ovetenses están ansiosos de ver ballet. Se agradece, por lo tanto, al Ayuntamiento de Oviedo el esfuerzo que hace todos los años para brindarnos este festival. No obstante, es mi obligación aspirar a más y manifestar que Oviedo se merece ver mejor ballet. Además, así me lo comunican muchas personas. Al igual que a nuestra ciudad suelen venir algunas de las más importantes orquestas sinfónicas, los amantes del ballet deberían tener el mismo derecho de ver aquí también algunas de las mejores compañías de ballet. Por ejemplo, este año visitará seis ciudades españolas, entre ellas Santander y San Sebastián, el «Boston Ballet» con una gran producción de «La sílfide». ¿Por qué a nosotros nunca nos tocan cosas como ésas? Y, en este caso en concreto, no creo que la capacidad del escenario hubiera sido un obstáculo. Otra cosa, ahora que menciono el escenario: Oviedo, la ciudad de las artes escénicas, con un Campoamor, un Filarmónica, un Auditorio y grandes palacios escénicos y de las artes en construcción, y seguimos sin un escenario decente.

Dos de las respuestas a mi pregunta anterior, de por qué a nosotros nunca nos toca ver las mejores compañías de ballet en Oviedo, son las siguientes: una, porque no tenemos un escenario de dimensiones adecuadas, pero esto no es lo principal. Y la otra: hay un hecho indiscutible, si hablamos de artes escénicas, el ballet en Oviedo ocupa el cuarto lugar. En los tres primeros puestos están la música sinfónica, la ópera y la zarzuela. En el Campoamor tienen prioridad la ópera y la zarzuela. Normalmente las fechas que sobran se destinan a la danza y otras artes. Y que quede bien claro, con esto no quiero decir que se deba aumentar la calidad y representaciones de ballet en detrimento de las demás. Al contrario, entre otras cosas, porque yo también disfruto de estas tres artes, y deseo y me alegro de que las representaciones en Oviedo de música, ópera y zarzuela tengan cada vez más éxito y que ya ocupen los primeros lugares en España. Todo lo anterior está dicho con la mayor cordialidad y con el ánimo de recordar la situación que tenemos en el presente y animar a que se busque un causa para que el ballet deje de ser considerado en Oviedo un arte menor y logre tener el mismo rango que las otras artes escénicas y se convierta también en referencia de la capital. Una observación: es preferible calidad que cantidad. (En este breve análisis de las artes escénicas no he incluido el arte de Talía ya que ellos pueden disponer del Filarmónica)

Bien, paso a comentar la función que vimos el miércoles en el Campoamor. El ballet «Coppélia» -inspirado en un cuento de Hoffman-, estrenado en París en 1870, con coreografía de Arthur Saint-Léon, está a mitad de camino entre la gran época romántica (representada por «La sílfide» y «Giselle») y la era del Ballet Imperial Ruso, también conocida como «era Petipa» (personificada, entre otros, por «La bella durmiente» y «El lago de los cisnes»). Hoy, este ballet se encuentra en el repertorio de las compañías más importantes del mundo. Si bien de la obra original de Saint-Léon no ha quedado mucho. Las mejores adaptaciones actuales son el resultado de las revisiones hechas por Petipa, Ivanov, Cecchetti y Sergueyev. Con la partitura compuesta especialmente para esta obra por Leo Delibes, «Coppélia» está considerada como el comienzo de importantes encuentros entre el ballet y la gran música. Este encuentro volvió a suceder muy pronto y en más alto grado con Tchaikovsky y más tarde con otros compositores, como Stravinsky, que lograron una nueva dimensión entre la música y el ballet.

En esta ocasión ha sido la compañía de Víctor Ullate la que, con la coreografía de Eduardo Lao, director artístico de la misma, ha montado un relato muy peculiar de este clásico del siglo XIX. Esta versión nada tiene que ver con las producciones clásicas, ni en la coreografía ni en el baile ni en el relato. En vez de la bucólica plaza de pueblo y la fábrica de muñecas, Lao ha trasladado la acción a un laboratorio cibernético, especializado en robótica e inteligencia artificial, en el que se investiga la creación de un androide con apariencia femenina. En este caso, solamente se ha mantenido la música de Delibes, aunque se han hecho cambios en el orden.

El ballet «Coppélia», en sus versiones más próximas al original, tiene algo de aquellas operetas con sentido del humor. Aunque Laos, en esta narración ha querido buscar y resaltar el lado más burlesco de la historia. En la primera parte vemos al doctor Coppelius intentado humanizar sus androides, mientras el joven Franz, fotógrafo aficionado, y encargado de la limpieza en las instalaciones que acogen los artilugios autómatas, dirige los flashes de su cámara y de su corazón a ese androide con cuerpo de mujer llamado Coppélia. No obstante, no será la ciencia ni los inventos del extraño doctor ni sus elaboradas aplicaciones de los mecanismos de regulación biológica a la tecnología los que le transfieran vida y alma a su hermoso robot, sino un ser mágico, la Diva Espectral, la que otorgará alma y humanidad a Coppélia, que inmediatamente se sentirá atraída hacia Franz. En la segunda parte, el androide ya como humano se libera de su inventor para vivir su amor y pasión con su enamorado.

Aunque las bailarinas bailan en punta, nada en esta versión se parece, ni remotamente a lo que se conoce como el ballet «Coppélia». Esta coreografía es un gran popurrí de distintas formas de danza, en la que impera lo moderno. El primer acto está dominado por las formas angulosas que dibujan los cuerpos de los robots. A la protagonista no se le da gran oportunidad de lucimiento en otras formas de baile, ya que la reiteración y larga duración en su condición de robot, hace que se exprese fundamentalmente con gestos y con formas rígidas que la alejan de los cánones que se consideran esenciales para expresarse mediante la danza. Las tres chicas encargadas de la limpieza intentan provocar las secuencias más jocosas de la representación. La segunda parte se convierte en una gran fiesta llena de color con ambiente de discoteca. Quizás el exceso sea lo que marque a este acto. La bailarina que interpreta Coppélia (Natalia Arregui) tiene la oportunidad de lucirse mejor en el «pas de deux», así como los bailarines que interpretan a Franz (Yevgen Uzlenkov) y a Coppelius (Luca Vetere) se exhiben con sus saltos y piruetas. Ana Noja, como la Diva Espectral, muestra su veteranía y experiencia. Esta «Coppélia» de Laos parece un divertido musical en puntas. Es una lástima que no pudimos ver a Eri Nakamura, la Coppélia que estrenó la obra en Santander y en Madrid, pues está lesionada. Los nombres de los bailarines que interpretaron a los cuatro protagonistas no se especifican en el programa. (Yo los nombro arriba, espero no equivocarme en la sustituta de Nakamura). Esta omisión es una falta de consideración para con el público y poco respeto a unos bailarines profesionales. Si no se pudo imprimir un papel anexo al programa con sus nombres y los personajes que interpretan, se debió utilizar la megafonía de la sala.

Gala Internacional de la UNESCO en Fuenlabrada

Maria José Ruiz en foro FOTOESCENA

Hola a todos, La "presentación en sociedad" del embrión de lo que será el futuro Real Ballet de España no me decepciónó.

Cuerpo de baile disciplinado, con una fortísima base y cohesión a toda prueba.

Ingeligente, muy inteligente y acertada la propuesta de Tamara Rojo en un camino intermedio entre la creación de un ballet y la escuela que a él debe estar asociada.

La primera pieza interpretada, con un ligero tufillo a Culberg, sirvió para que pudieramos apreciar tanto la técnica como la expresividad de Ana Colomer en el papel de Cupido y la versatilidad del cuerpo de baile.

En terminos generales, desigualdad entre la Danza Clásica y la Contemporánea, con la balanza muy a favor de la Clásica.

Me refiero a los duos que pudimos contemplar.

Las dos coreografías construidas sobre música de Vilaldi no tenían nada que ver con su soporte musical y por tanto no acabaron de convencerme: Contemplaba una realidad cinética no solo distinta, sino opuesta e incompatible cualitativamente con lo que escuchaba.

Lo único que puedo lamentar es que, después de haber visto a Tamara Rojo como Carmen, no tendré deseos ver ninguna más. En mi modesto parecer ha superado a todas las que he contemplado

podría describirlo como "la Carmen que soñó Petit".

También a lamentar la impaciencia que me ha provocado por ver la obra completa.

¿Podría ser nuestro regalo para la presentación del Real Ballet de España?

Impacientes besos a todos,

María José Ruiz

Del foro ETER

YO CLAUDIO

Hojeando, y ojeando, la prensa diaria he encontrado un artículo en Libertad Digital. El artículo habla de cine, pero me ha hecho reflexionar sobre su validez para el mundo de la danza.

Os transmito las primeras líneas, con un segundo párrafo de una gran lucidez, ya que el resto del artículo pasa a consideraciones políticas que ni vienen a cuento ni mantienen el grado de lucidez de las que os transcribo.

Feliz Natividad a los creyentes y felices fiestas a los demás.

España con su cine

Pablo Molina

En este año que acaba, han acudido a los cines a ver películas españolas seis millones menos de espectadores. Seis millones de decisiones individuales plenas de sentido común y elevado criterio estético, que amenazan con ampliarse en años venideros de seguir este ritmo asombroso de "crecimiento negativo". De las veinticinco películas más vistas del año, tan sólo cuatro son españolas, y de ellas sólo dos están entre las diez más vistas. Se trata de "Alatriste", en cuarto lugar, y "Volver", en séptimo. Hasta aquí llegó la riada del talento.

Si la gente hubiera decidido dejar de ver películas españolas sencillamente porque en su mayoría son una castaña, la solución no sería demasiado complicada. Bastaría con eliminar las subvenciones para que el ingenio de los cineastas empezara a conectar con los gustos del público.

Estoy de acuerdo con el fondo del articulo de Pablo Molina  aunque, este espinoso asunto  que, tengo la impresión, conoces bien, es la estafa y la  humillación para la danza, no solo porque, en comparación con el cine o la pasarela, se la destina la calderilla es que, al mismo tiempo, esa calderilla se la reparten los de siempre.

También sería conveniente que los de Libertad Digital y sus cofrades, que tanto presumen de liberales, se aplicaran el cuento porque, solo cuando se trata de gente de su cofradía, las subvenciones están bien. Me refiero a una entrevista realizada el otro día a Maria Giménez en La Linterna de la COPE por Cesar Vidal. Según el Sr. Vidal, la menestra (no es un error) de cultura (PSOE) es una ignara impresentable por no subvencionar suficientemente a la compañía de Maria, pero el ayuntamiento de Madrid y La Comunidad (ver P.P.) son estupendos y grandes soportadores de la danza por ayudar a “Doña Maria” según el Sr. Vidal.

Lo dicho, estos liberales de sacristía son tan sectarios como los de enfrente y, desgraciadamente, la subvención de las artes en España está contaminada por el politiqueo partitocrático.

De tal forma que, cuando alguien presenta un proyecto artístico de danza, si lo apoya alguien del PSOE el PP lo boicotea y viceversa.

Las artes divididas por el sectarismo y el aldeanismo no pueden desarrollarse, solo los mediocres sin escrúpulos siguen tirando de la teta. ¿Hasta cuando?

Con fecha de caducidad

La Nueva España – 22 Sept. 2006 - Por: Vicente Cue

Hace ya tiempo que el bailarín Julio Bocca viene anunciando su retirada de los escenarios. El mismo ha señalado su fecha de caducidad: diciembre de 2007. El lugar será su tierra natal, Argentina. Le queda un año largo, en el que tendrá que hacer un especial esfuerzo, ya que, según las propias declaraciones del bailarín, entrenar «se ha vuelto desagradable; si bailas desde los 4 años llega un momento en que te aburres». Y añade: «El entrenamiento diario y la disciplina es algo que odio y que siempre he odiado». Respetables opiniones, si bien para los jóvenes bailarines de su grupo y aquellos que piensen dedicarse a la danza estas manifestaciones no servirán de gran estímulo.

Desde que se apagó la estrella de Baryshnikov, el baile clásico masculino ha pasado por décadas no muy brillantes. Ha sido ésta una generación en la que algunos bailarines han sobresalido por tener unas cualidades y otros, por gozar de otras condiciones o características particulares. Sin embargo, fue una época ausente de bailarines de los llamados «completos». Bocca nunca tuvo el físico ideal de un premier danseur noble. Pero lo que no se le puede negar al argentino es que ha sido uno de los bailarines más destacados de esa generación. Durante muchos años ha gozado de gran popularidad y éxito debido a –como dirían en su tierra- su técnica macanuda y su formidable brío sobre el escenario.

En el tiempo que le queda para su retirada, Bocca solamente echa el resto cuando actúa en plazas importantes en las que baila los «pas de deux» clásicos que le hicieron tan popular. Lo acaba de hacer en La Coruña y en Palma de Mallorca recientemente con Tamara Rojo como pareja. Hace algunas noches en el Jovellanos sólo se exhibió en piezas de danza moderna, que no exigen gran virtuosismo ni demandan grandes despliegues técnicos. Intervino en las tres obras del programa. En algunas fue breve su intervención, en otras, un poco más extensa. Se comenzó con «Desde lejos», una coreografía de Mauricio Wainrot que los bonaerenses ya habían traído a Gijón. Es una obra de danza moderna, en la que predomina el baile en grupo, ejecutada a gran velocidad. Le siguió un trabajo de la coreógrafa Ana María Stekelman, que ha realizado varios ballets para esta compañía. Este se llama «Tango Brujo» y es una de esas piezas asiduas del Ballet Argentino en las que se fusiona la fuerza del tango con la danza moderna. En esta ocasión –en el que hay una pequeña trama con un trasfondo de amor, celos y muerte- la música de Falla es llevada a los acordes del baile argentino.

Para mí, lo más ameno de la función fue la última pieza, «Nine Sinatra songs», de la coreógrafa norteamericana Twyla Tharp, y diseños de vestuario de Oscar de la Renta. Al ritmo de conocidas canciones de Frank Sinatra, varios dúos de bailarines van saliendo al escenario –cada pareja por separado- para ejecutar bailes de salón que se fusionan con una coreografía acrobática y sofisticada. (Los bailarines hombres de esta compañía lucen tan jóvenes y bisoños que en este ballet no dan propiamente el físico). En esta mirada nostálgica a los años cincuenta del siglo pasado, Julio Bocca interviene junto con Cecilia Figaredo, únicamente mientras suena la canción «That’s life», y en el baile final con todo el grupo, a los acordes de «My way»

El alma de Julieta, en El Escorial

Publicado por: La Nueva España en 2006.

VICENTE CUE

Ya que la montaña no viene a mí. Me gustaría ver en Oviedo o en Asturias al Royal Ballet de Londres con Tamara Rojo en un gran ballet. Un deseo que, estoy seguro, comparten muchos. De momento habrá que ir a Londres o, como en este caso, al teatro auditorio de San Lorenzo de El Escorial, un nuevo recinto que acaba de inaugurarse en la conocida población del famoso monasterio. Los programadores de El Escorial saben lo que tienen entre manos. Ha sido un buen comienzo y un gran acontecimiento artístico y social. Han traído una de las mejores compañías del mundo, el Royal Ballet de Londres, con uno de los ballets más emblemáticos e importantes del siglo XX, «Romeo y Julieta» de MacMillan y con la mejor intérprete en muchos años: Tamara Rojo.

La coreografía que Kenneth MacMillan creara en 1965 para Fonteyn y Nureyev, se ha convertido en un clásico. Varios críticos de Inglaterra, donde se idolatra a Margot Fonteyn, han dicho recientemente: si usted no pudo ver bailar a Fonteyn, no se pierda ahora a Tamara Rojo. Y añadían: es la mejor Julieta en el último cuarto de siglo o más. Yo tuve el privilegio de ver bailar a Nureyev y Fonteyn muchas veces, y también a Tamara, y confirmo que la actuación de la española es excepcional y única. Shakespeare, en su obra de la tragedia de Verona, quiso que los dos enamorados sobresalieran por encima de los otros personajes. E incluso entre los dos amantes, es Julieta la que destaca y la que dice las frases más hermosas. Romeo, como personaje, está iluminado por ella (el titulo de la obra debería de ser «Julieta y Romeo»). El coreógrafo, que es fiel al dramaturgo, también quiso que su Julieta sea la figura sobre la que gire todo el ballet. Y así es como Tamara Rojo, portadora de una luz interior que alumbra su imagen, se hace dueña del ballet. Ella otorga veracidad y autenticidad al espectáculo.

Sin hablar una sola palabra y solo con el arte de la danza, nuestra bailarina, premio «Príncipe de Asturias», va exprimiendo gota a gota todas las sensaciones, emociones y sentimientos de su personaje. El alma de Julieta se apodera de Tamara. Allí, en el escenario de El Escorial, se sintió y se creó Arte. (Ésta es la frase que yo más deseo escribir en mis crónicas pero que en contadas ocasiones puedo hacer). Las variaciones y dúos más brillantes de la coreografía tienen lugar durante las cuatro escenas claves del drama. Es precisamente durante esos simbólicos momentos en los que Tamara despliega con más intensidad los lamentos y gozos del alma. En su primera aparición Julieta es esa niña juguetona e ingenua que no sospecha nada sobre su desdichado destino. «El encuentro» con el Montesco es casual y dulce, aunque ya nacen ciertos presagios. Más tarde, en el que quizá sea el momento más hermoso de la noche, la mítica «escena del balcón», obra maestra de MacMillan, la adolescente se convierte en un ser ya totalmente consumido por el amor. En esta magistral secuencia los pasos y movimientos de Tamara son de una gran belleza y claridad de líneas. Sus exquisitos arabescos y sus impecables giros se convierten en remansos poéticos. En «la alcoba», ya es una mujer entregada a su esposo. Y así, en muy pocas etapas, Julieta llega a la plenitud, al equilibrio, la madurez y la gravedad cuando al fin amor y muerte se estrechan las manos.

Fue un verdadero «tour de force» de Tamara y un excelente ejemplo de cómo el ballet puede traducir de forma impecable la lírica de la palabra, la plástica, la poesía y la música en un recital de amor y dolor. Romeo fue interpretado por Carlos Acosta, bailarín cubano que hace años actúa, entre otras compañías, con el Royal Ballet y con el American Ballet Theatre. Acosta destaca por su brío, energía, bravura y gran técnica. Es cierto que su personaje no tiene la profundidad de Julieta, pero Carlos, que hizo por primera vez este papel hace tan solo cuatro meses, no se ha metido todavía en la piel del personaje. José Martín resuelve con destreza su interpretación de Mercucio. Thiago Soares es un fiero Tibaldo.

MacMillan creó muchas coreografías para el Royal y no todas fueron gloriosas. Lo que es indudable es que este «Romeo y Julieta» es su obra más brillante y prestigiosa. Incluye todas las características y el sello de mediados del siglo pasado. Las danzas surgen naturalmente de la acción. Sus complejas fórmulas dinámicas contienen en los solos y dúos tanta elocuencia como exquisitez virtuosa. Y aunque su mayor excelencia está en esos intensos «pasos a dos» de los protagonistas, suele aprovechar los bailes de grupo en las plazas de Verona como celosía donde se cuece la tensión y el conflicto. Las óptimas cualidades de la partitura inspiran necesariamente al coreógrafo y a los intérpretes. Esta música de Prokofiev está considerada una de las mejores que jamás se haya compuesto para ballet: es melodiosa, emocional y dramática. Los decorados y vestuarios de Nicholas Georgiadis son un magnífico homenaje al Renacimiento, una de las épocas más gloriosas de la historia del arte. Hay tantos ingredientes de primera calidad en esta producción, que hacen un todo estético y evocador creando una atmósfera envolvente, armónica y con ese toque de mágico encantamiento que requieren estos dramas.

Cuando bajó el telón, después de la grandiosa y solemne escena de la cripta, el público -que abarrotaba la sala, totalmente emocionado, estalló en bravos y fuertes aplausos. Noches como ésta alimentan el alma. Me creo en el deber, en defensa del arte de la danza, de recordarles, una vez más, a nuestras autoridades culturales, que Asturias necesita un escenario con las dimensiones adecuadas para que ballets de esta calidad e intensidad artística se puedan ver en nuestra comunidad.

EL MUNDO/DANZA/ VIERNES 4 DE FEBRERO DE 2006

CRITICA

La comercialidad aguanta más que la coreografía

Compañía: Tokio Asami Maki Ballet

Obra: Pink Floyd Ballet

Coreografía: Roland Petit

Música: Pink Floyd

Estrellas invitadas: Lucía Lacarra, Cyril Pierre, Lienz Chang, Altankhuyag Dugaraa y los Streets dancers slide

Escenario: Matadero de Madrid<

Fecha: 2 de agosto

Calificación: **

JULIA MARTÍN<

MADRID.- Detrás de la curiosidad que supuso Shanghai Beauty, los Veranos de la Villa han programado otro encuentro entre Oriente y Occidente, esta vez es la compañía japonesa Tokio Asami Maki Ballet con dos puntales occidentales: el célebre coreógrafo francés y ex directro del Ballet Nacional de Marsella, Roland Petit; y la bailarina española Lucía Lacarra, fruto de la brillante cantera del maestro Ullate, y primera figura de Marsella y de San Francisco antes de instalarse en Munich.

Hay poca memoria, y menos trabajo de hemeroteca, para decir en el programa que es la primera vez que Roland Petit visita Madrid. En 1988 sin ir más allá, presentó su Carmen en el Cuartel del Conde Duque; una emblemática obra que podría haberse recordado hoy, o conocer su Coppelia, que también tuvo a Lucía Lacarra como protagonista; muchos trabajos preferibles a esta obra comercial pero simple y avejentada, aunque el espectáculo es impecable, la compañía tuvo pocos desacierto y los invitados lucieron en lo posible.

El concepto de musical y de hermandad entre estilos se funden en este ring de focos bajos, al que salen largas filas de bailarines para accionar frente al público, casi siempre iguales ay al tiempo. Todos visten mallas blancas y quieren demostrar que lo depurado puede bajar al terreno de la calle. La sofisticación y la horterada se dan la mano en unas coreografías de trazo corto y repetido, que usan el vocabulario del ballet, buenas puntas incluidas, adornado de acciones rítmicas, según el glosario de extensión-contracción de la danza moderna más caduca.

Petit escribió sobre el pulso; entre el cañero rock y los relajantes sonidos usados por el movimiento hippie de los 60. consciente del paso de las modas, el coreógrafo añadió hace dos años una pieza de hip hop que resulta lo más refrescante del montaje. La escena toma altura de ballet solamente en el largo Echoes, donde es posible salir de la marcialidad  para apreciar una composición diversa en el plano, con grupos que se van encajando poco a poco y serán al final un árbol viviente.

Lucía Lacarra era el gancho del montaje en Madrid. Indudablemente lo fue para quien no hubiera visto mejor empleados sus resortes técnicos y su calidad de movimiento. Lució espectacular y liviana, preciosas líneas; con esa elasticidad de espalda que produce desmadejados e increíbles cambrés y extensiones de piernas de más de 180 grados.

Tuvo dos buenos porteadores: su compañero Cyril Pierre, y el cubano Lienz Chang, con el que interpretó una de las coreografías añadidas para esta compañía en 2004, y con un bonito final de ella caminando por el aire. Chang baila varios solos en los que explota su corpulencia pero resulta lento y poco atractivo porque está completamente sobrepasado de peso, lejos del buen bailarín que es.

Pink Floyd se ve, a los 33 años de su estreno, como un capricho del prolífico coreógrafo por adentrarse en la movida de la época y con las armas que tan bien había ensayado en los circuitos del teatro musical: Su elección puede deberse a la errónea manera de calibrar el verano como estación para el muelle mental (defiendo que la mente puede relajarse sin hacerse plana).

Lo peor es ver cómo satisface un programa que no cuenta nada ni tiene vuelo coreográfico y apenas dos temas con un mínimo leit motiv que compacte tanto ejercicio en unidad de bloque, y parecidos solos de lucimiento entrecortado.

Defrauda que aplaudamos todo si nos dicen que es bueno. Claro, que también es un alivio que el círculo de famosos en la danza no existe en los planes de TV- todavía no incluya a los ganadores de Mira quien baila. Al menos son Petit y Lacarra, pero todo se andará.